Roy Lichtenstein: El Pop- Art

ahora vamos a hablar de la obra de uno de los exponentes mas notorios del movimiento vanguardista de la década de los cincuenta: el pop art; dando prioridad a lo que ya ha sido creado: a lo cotidiano, relacionado con la globalización inminente por parte de los medios de comunicación, el uso de cómics y anuncios son una verdadera revolución en la manera de ver el arte

vamos a indagar un poco acerca de dos obras insignes de la trayectoria de Lichtenstein: iniciaremos con Takka-Takka de 1962.

¡muy bien! lo primero que podemos descifrar al observar la obra  es su título Takka-Takka, Lichtenstein se encontraba fascinado por la representación de onomatopeyas propias del cómic como ¡WHAM! ¡POW! o ¡BRATATATATA!. Cuando escuchamos el sonido "takka-takka" hacemos una alusión al momento en el cual se preparan las armas para disparar, como lo vemos en la obra plasmada, esta obra de Lichtenstein se encuentra ligada a  una imagen que se encontraba dentro de un cómic, que se realizó exaltando la valentía de las tropas Estadounidenses en Guadacanal, Islas Salomón durante la segunda guerra mundial, en respuesta a las fuerzas del eje, en especial Japón veamos:

img 1
Acción Battlefield # 40 , febrero de 1962

 son muy similares ¿no? veamos que dice el texto: "en Guadacanal, los exhaustos marinos ,desvelados por cinco o seis días a la vez, siempre hambrientos de muestras decentes, están sufriendo por infecciones de hongos tropicales, continúen luchando!"

por otra parte veamos lo que dice la imagen de Lichtenstein

" los exhaustos soldados, desvelados por cinco o seis días a la vez , siempre hambrientos de muestras decentes, están sufriendo por infecciones de hongos tropicales, continúen manteniéndose!"

Lichtenstein decide retirar el lugar del conflicto para así considerar la obra dentro de un ámbito mas global, una instancia que afectaba a diversas naciones durante esta década.

Lichtenstein cambia el casco del soldado en la imagen 1(img 1), por la cúpula de un tanque de guerra, y desaparecen  la mano expuesta la cual no cambia con nada  y la bandera de Japón, cambia por un riel que conduce a las plantas

la vivacidad en el manejo del color (en especial en la parte "explosiva") da a la obra un rompimiento en el  patrón, al no utilizar ningún tipo de degradé o fusión de colores, sino que los colores que sean fuertes, es una expresión mas amena del arte de la década de los cincuenta hasta nuestros días  

es curioso denotar la yuxtaposición  que se produce entre las figuras, y unos puntos que están en ella estos son los puntos bendeí, con los cuales Lichtenstein deseaba que los observadores denotaran una obra en dos planos: el figurativo (trazos, colores) y el compositivo (puntos bendeí), similar al puntillsmo, los cuales se ubican en la figura de manera diagonal y van desapareciendo a medida que la luz impacta en la obra.

las armas: es curioso ver que las armas que se encuentran flotando en el aire cambian, por una parte se encuentra una granada activada, como representación de las armas rudimentarias usadas para destruir.

 por otra parte, la obra de Lichtenstein muestra lo que parece ser una bomba molotov la cual, por la onda que la dirige hacia el gran fusil, evidencia la rapidez con la que la guerra está avanzando.

ahora analicemos otra de las obras cumbres de Lichtenstein: Jinete Rojo del  año:1974 

lo primero que podemos decir es que esta obra se encuentra influenciada por la obra de Marcel Duchamp "hombre desnudo bajando una escalera de 1912"

en la  obra de lichtenstein, como en la obra de Duchamp, se puede ver una manejo de la formas poco convencional:los procesos del movimiento y dinamismo .

en la obra de Lichtenstein, como ya dijimos es de vital importancia los puntos bendeí, por representar la yuxtaposición de dos planos, en este cuadro tanto las figuras de movimiento que crea el jinete , como los puntos bendei denotan, un doble de expresividad.

podemos tomas cualquier parte del cuadro, en este caso elegimos  la parte trasera del caballo, observamos que el manejo de los puntos bendeí crea una perspectiva de unidad en la obra de Lichtenstein, que a medida que entra en contacto con la luz se van haciendo mas chicos e imperceptibles.

Si es un  jinete ¿por qué no se encuentra en el hipódromo?, la intención de Lichtenstein  es ubicar al observador dentro de la pintura, el observador es aquel jinete 

particularmente el rostro del caballo demuestra brio y velocidad, velocidad que le ha dado el mismo cuadro

  

Los colores usados en la obra son primarios como podemos ver (amarillo, azul, rojo y blanco), la combinación de estos colores resluta de un estado en el cual se enfatiza el dinamismo que provoca la obra.

Paul Cezanne: el gran padre del arte en el  siglo XX

hola, el día de hoy vamos a hablar un poco de la obra de Paul Cézanne, actualmente lo conocemos como un artista que no fue valorado en su obra, por no tomar el arte que en su época era mas valorado, compuesto de formas estilísticas claras y definidas, paisajes idílicos y personajes tradicionales; Cézanne estuvo fuertemente influenciado por la escuela de los impresionistas rompiendo con lo que la crítica buscaba y mezclando colores, movimientos y formas, Cézanne nunca tuvo un reconocimiento importante, solo participaba en "salon des refúses" en el cual el publico estaba asombrado de las nuevas manifestaciones de arte, en espacial las de Cézanne.

A continuación vamos a hablar de dos  de las obras cúspides de su repertorio, no muy conocidas  en su época: El Castillo Negro, desarrollado entre 1900 y 1906

es valioso observar el aporte que realizó Manet sobre la obra de Cézanne: representada en el estado paisajista que Cézanne utilizaba, por su parte, Cézanne desarrolló  por su cuenta una nueva técnica en la cual se usaban paletazos de colores de manera vigorosa desligado de figuras concretas determinados por líneas.

alguna historia cuenta la finalización de este cuadro en 1906, año de muerte del autor; al ser realizada en el exterior, los artista se exponen a alguna catástrofe  natural, en este caso Cézanne se enfrentó a la lluvia, alguien lo encontró meditabundo por la calle, lo llevo a su casa y Cézanne terminó el cuadro en su estado de convalecencia y muere seis semanas después, para mi, de allí parte de nombre, (el castillo) la edificación, como podemos ver no es negra, sino que posee un color brillante, y el cielo en contraposición no lo está, el castillo será el reflejo de el escenario en el que se encuentra envuelto. Aunque también el escenario que rodea el castillo, es un bosque oscuro desde donde se contempla el castillo.

Cézanne es muy enfático con las formas y el color que ellas manejen veamos algunos casos

en todas sus obras hay algo que Cézanne defendería abiertamente: "la naturaleza muerta", en el cual varían las tonalidades y las formas. En este caso, el castillo se encuentra rodeado de aspectos que lo neutralizan , como las ramas de un árbol que no se ve, una montaña negra y una naturaleza rustica, tal como los bosques franceses.

por otra parte veremos la obra "los grandes bañistas" entre 1896 y 1898

Las pinceladas de Cézanne han sido de vital importancia para el desarrollo del fauvismo o el cubismo.

en este caso, Cézanne  hace una alusión a su juventud antes de acomodarse en Francia, cuando compartía con sus amigos Émile Zolá y Jean Baptiste Baille en Aix ,cuando cazaban e iban a nadar
en este caso, el paisaje es cálido y ameno frente a los tres muchacho, que gozarán de sus aventuras al aire libre

























es curioso darse cuenta el contacto que existe entre la naturaleza y el hombre, representado por Cézanne en esta parte:

el jovencito tímidamente toca el agua de la fuente, como los hombre de la edad de piedra ver el fuego por primera vez, mejor dicho, mientras descubren el mundo que los rodea.

otra parte destacable de la obra de Cézanne, es la crudeza con la que refleja los cuerpos sin seguir parámetros de belleza del cuerpo, sus cuerpos son toscos, y a menudo deformados, no tienen mucha expresividad facial y su mirada tiende a perderse en el vacío, como aquí: 

     Eduard Manet: El Impresionismo

en el vídeo que encontrarás a continuación podrás observar algunas de las obras mas importantes de la obra de Eduard Manet, quien como padre del impresionismo plasmó una nueva visión del arte contemporáneo; mostrando la realidad no "artificial" del arte.

https://www.youtube.com/watch?v=XgfFDNCCBSg

Paralelalmente, examinaremos dos de las obras mas importantes del repertorio artístico de Manet; empezaremos con el Bar de la Folies Bergere

fig 1.

Manet decide pintar esta obra entre los años 1881 y 1882,el Bar de la Folies Bergere está inspirada como su nombre lo dice, en la "meca" parisina de pintores y escritores a finales del siglo XIX: el folies Bergere.

Para comprender un poco su interpretación,tomaremos las partes más primordiales que hacen de ésta una joya del impresionismo.... bien

primero que todo , hablaremos de lo que podemos ver a simple vista: una mujer joven que sin ningún tipo de adorno es la encargada de proveerá a los asistentes de este espacio, todo lo que ellos deseen comer o beber durante su velada en dicho lugar.


para empezar, Manet afirma que todos los objetos que componen la obra deben tener igual importancia que quien lo estelariza;  en este caso:

fig 2.

fig 2.1

FIGURAS:en esta ocasión la chica posee en cada mano un objeto vital: a  su mano derecha  tiene botellas de champaña, que representan lo que la clase opulenta desea, en contraste; en su mano izquierda tiene un recipiente que contiene naranjas, los cuales juegan con la gama de colores fríos con los que la obra ha sido creada.

fig 2.2

COLORES: Manet, rompiendo los canones clasicistas del arte, considera que la obra se debe desarrollar en un espacio especifico,y no como un producto de imitación, en un estudio cerrado. como podemos ver, el manejo de colores se encuentra vinculado al que espacio que se describe; con tonos fríos (azul, negro y gris), Manet es  mas contundente con el manejo de la paleta de colores al desarrollar la obra en dicho espacio.

EL ENIGMA: a simple vista podemos imaginar que la vida nocturna se desarrolla detrás de la joven, pero no es así; varios críticos de  arte consideran que detrás de la chica hay un espejo, eso explica la chica  que se encuentra de espaldas y el hombre que tal vez intenta conquistarla o seducirla, veamos:

fig 3.1 

fig 3 

aquí se evidencia la presencia del espejo, pero ¿Qué ocurre con la gente que está en escena?

fig 4 

Para el mismo Manet "todos (quienes se encuentran detrás de la camarera), son reflejo de todo lo que es capaz de mentir, de un mundo efímero, volátil, todos son transparentes, goce de una hora sueños limitados".







LA CHICA: como hablamos anteriormente esta camarera es muy peculiar, debido a que no es una chica convencional, colmada de adornos y maquillaje, sino que es todo lo contrario, para Manet, la mujer debe ser plasmada en su estado de belleza, tal como ella

la camarera de la Folies Bergere

fig 5.

fig 5.1.

Uno de los rasgos mas característicos de la obra es la mirada de los personajes; para que los objetos tuvieran la importancia que se merecían, los "modelos" se encontraban en su estado natural, por lo tanto su mirada no se concentra en el observador, sino que es parte de lo que le rodea: sus ocupaciones

fig 6

fig 6.1

la feminidad de la camarera se encuentra plasmada dentro la sencillez y la sutileza con la que se maneja el pincel, su vestido es de colores negros del cual se desprende un corpiño de seda (como representación de la delicadeza), este vestido hace un valioso contraste con la obra en sí, para Manet el color negro debe cobrar valor como una propuesta estética relacionada con el equilibrio con las formas  el tocado que lleva en su pecho y las florecillas que en florero se encuentran, demuestran la presencia del tacto en momentos tediosos y la paciencia que ella tiene con sus clientes y enamorados  (tal como se demuestra en la figura 3.1)



Para continuar, examinaremos la obra Olimpia de 1863

fig 7.

Como podemos ver la escena se desarrolla con una muchacha que se encuentra desnuda descansando recostada en su cama, en la parte izquierda se encuentra una mujer de raza negra que trae consigo un ramo de flores y además aparece un gato, veamos ahora que ocurre.

fig 8.1

LA MUJER:

fig 8.

fig 8.2

fig 8.3

 Hay algo muy controversial respecto a la fisionomía que posee la mujer quien en este caso es una concubina, como podemos ver el busto de la mujer (fig 8.1) es de un tamaño "normal" para una joven en esta etapa, mientras que su zona púbica ((cubierta con su mano izquierda)(fig 8.2)) concuerda con la fisionomía de una niña, la destrucción de la infancia de una niña tal cual ocurría anteriormente, plasmada en dichos caracteres al igual que en sus ojos denotando una postura serena frente a lo que acontecerá, la flor que lleva como tocado en el cabello (fig 8.3) posee un color no muy vivo denotando así como se marchita la juventud de la mujer misma y un ingreso a la vida sexual . Su condición de desnudez la convierte en una mujer que espera la visita de su próximo amado, con el cual llevara a cabo una relación; aquí también se denota como las pinceladas son tenues y delicadas frente a la obscenidad de la escena.


LA ESCLAVA Y EL GATO: para Manet ambos personajes son un contraste, un equilibrio que se produce entre ambos planos de la imagen; entre la blanqueza que se denota en la mujer y su cama deshecha y  el misterio mismo que sus actos conllevaban (influencia de Goya y Velázquez , es curioso denotar que la esclava lleva consigo un ramo de flores, anunciando la llegada del siguiente amado de esta doncella producto del placer carnal  y el gato que se encuentra encorvado((fig 9.2) (al igual que Tolouse Lautrec)) indican el misterio de aquella belleza sensual al igual que la astucia de dicha mujer, y con aquellos ojos que cautivan a cualquiera  el gato muestra su alma y la intenciones que en ella se denotan:

fig 9.1

fig 9.

fig 9.2

fig 10

fig 10.1

LAS SANDALIAS: otra cuestión que muchos críticos aun no han considerado que para nuestro lector es importante es la posición que poseen las sandalias dentro del texto, las sandalias (10.1) junto a las joyas son las últimas pertenencias que acompañan a la joven antes de unirse a su amante "aun estoy aquí", diría ella. Al estar ligadas a sus pies, representan la sujeción que aun está inminente a la escena y que lentamente se irá desprendiendo para así consumar el deseo de la joven junto a su amado.